따뜻한 온기를 덮어준다고 해도, 장률 감독의 영화에는 항상 서늘한 죽음의 그림자가 덧씌워진다. 제21회 부산국제영화제(BIFF) 개막작으로 선정된 <춘몽> 또한 예외가 아니었다. 한 여자를 둘러싼, 조금은 어리숙한 세 남자들의 세레나데로 포장했지만, 역시나 불길한 예감(?)은 한번도 틀린 적이 없다. 




<춘몽> 포스터와 예고편을 보면 저절로 송창식의 ‘담배가게 아가씨’가 절로 흥얼거려진다. “우리 동네 담배가게에는 아가씨가 예쁘다네 (중략) 온동네 청년들이 너도나도 기웃기웃 그러나 그 아가씨는 새침떼기” 


하지만 <춘몽>의 예리(한예리 분)은 정범(박정범 분), 익준(양익준 분), 종빈(윤종빈 분) 외에 그녀 뒤를 졸졸 따라다니는 남자들도 없고, 새침떼기는 더더욱 아니다. 그녀는 어리숙하다 못해 바보같아 보이는 삼총사에게 친절히 대해주며, 심지어 그들을 바보라고 놀리는 손님들에게 소심한 태도로 응징(?)하기도 한다. 




이렇게 너무나도 착하고 어여쁜 예리 아가씨이지만, 그녀가 처한 상황은 비참하다못해, 잔인하기까지 하다. 예리에게는 그녀의 도움없이는 도무지 몸을 가누지 못하는 아버지(이준동 분)이 있었고, 아버지 병간호와 씨름하는 날들이 이어진다. 돈도 없고, 전신마비 아버지까지 있는 예리에게 사랑은 사치인지도 모른다. 거기에다가 예리에게 철거미처럼 달라붙는 세 명의 남자들은 그녀에게 도움이 되긴 커녕, 왠지 그녀가 그들에게 하나라도 더 챙겨 줘야할 것 같다. 


천연기념물로 지정해야할 정도로 어리숙하고 순수한 남성 캐릭터를 굳이 3명이나 배치한 것은, <춘몽>이 현실이 아닌 ‘꿈’을 다루는 영화라는 점에 비추어 짐작해볼 수 있다. 마지막 시퀀스를 제외하면, 모든 장면이 흑백으로 처리되었고, 예리를 중심으로 세 남자들이 펼치는 에피소드 중심으로 전개가 진행되지만, 유기적으로 연계 되지는 않는다. 매 장면 장면이 독자적인 이야기처럼 움직인다. 인물들간의 대화를 통해 과거 이들이 어떤 삶을 살았고, 어쩌다가 수색역 변두리까지 오게되었는지 미루어 짐작할 수는 있으나, 중요한 건 이들의 과거가 아니라, 관객들 눈에 보여지는 그 순간이다. <춘몽> 속 정범은 <무산일기>의 승철 혹은 <산다>의 정철, 익준은 <똥파리>의 상훈, 종빈은 <용서받지 못한 자>의 지훈을 떠올리게 하면서, 영화에 대한 영화로 해석될 여지를 남기기도 한다. 


마천루로 가득한 디지털미디어시티(DMC)가 훤히 보이는 수색역을 배경으로 선택한 이유를 두고, 장률 감독은 서로 다른 질감을 가진 수색역주변과 DMC의 대비를 통해 잘 정비된 대도시에서는 느낄 수 없던 사람사는 풍경을 담아내고 싶었다고 한다. 실제로, 감독의 의도대로 <춘몽>은 철길과 터널로 나뉘어진 수색역과 DMC의 절묘한 대조를 통해 꿈과 현실의 아늑한 경계를 몽환적인 분위기로 풀어낸다. 




‘담배가게 아가씨’가 흥얼거려지는 한 여자와 세 남자들의 이야기이지만, <춘몽> 속 사람들은 ‘담배가게 아가씨’ 대신 산울림의 ‘창문넘어 어렴풋이 옛생각이 나겠지요’의 노랫말을 되새긴다. “그런 슬픈 눈으로 나를 보지 말아요. 가버린 날들이지만 잊혀지진 않을 꺼예요.” 영화 속 인물들의 이야기에 100% 동감하거나, 동화 되지는 못했지만 오랜 세월 두고두고 잊혀지지 않고 생각날 바보같은 꿈이다. 


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Posted by 너돌양

비교적 빠른 시일 내에 신작을 낸다고 해도, 최소 2년은 기다려야하는 다른 감독들과 달리, <해안가로의 여행>, <크리피:일가족 연쇄 실종사건>(이하 <크리피>), 올해 제21회 부산국제영화제(BIFF) 갈라 프레젠테이션에서 공개된 <은판 위의 여인>까지. 1년이라는 기간 동안 구로사와 기요시는 연속으로 3작품을 세상에 내놓았다. <해안가로의 여행>은 지난해 열린 68회 칸영화제에서 주목할만한 시선 부문 감독상을 수상했고, <크리피>는 올해 열린 66회 베를린국제영화제 베를리날레 스페셜에서 상영되었다. 이번 BIFF에서 상영한 <은판 위의 여인>은 기요시가 일본이 아닌 해외(프랑스)에서 본격적으로 작업한 첫 영화이다. 




기요시의 전작 <해안가로의 여행> 또한 프랑스 자본이 투입된, 일본-프랑스 합작 영화이다. 그런데 <은판 위의 여인>은 프랑스에서 올로케이션 촬영을 진행했고, 출연 배우 모두 프랑스인이다. 당연히, 영화 속에서 사용 되는 언어 또한 프랑스어이다. 일본 호러 거장이 만든 프랑스 영화. 참으로 낯설고도 독특하다. 


<은판 위의 여인>이라는 제목에서 암시 되다시피, 여주인공 마리(콘스탄스 루소 분)는 은판 위에서 포즈를 잡는 모델이다. 정식 모델은 아니지만, 실물 크기의 은판으로 인물 초상을 찍는 19세기 촬영방식인 ‘다게로타입’을 고집하는 아버지 스테판(올리비에 구르메 분) 때문에 억지로 아버지를 위한 모델로 나서고 있다. 하지만 은판 위에서 포즈를 취하는 것은 보통 일이 아니다. 셔터만 누르면 바로 찍히는 보통의 사진기들과 달리, ‘다게로타입’은 인물 구도를 잡고, 사진이 찍히기 까지 무려 몇 시간 이상을 기다려야하기에, 은판 위에 고정된 상태에서 꼼짝없이 같은 자세를 유지해야한다. 사진이 완성될 때까지, 절대 몸을 움직여서는 안되고, 그 모습은 흡사 사진을 찍는 것이 아니라, 직접 손으로 초상화를 그리는 것 같다. 




오랜 시간 아버지를 위해 ‘은판 위의 모델’이 되어온 마리는 굉장히 지친 상태 였고, 스테판의 새로운 조수로 고용된 장(타하르 라임 분)과 함께 아버지 곁을 떠나고자 한다. 그러나 사진에 미친 스테판이 마리를 놓아줄 지 만무하다. 그리고 스테판이 파리 근교에 위치한 대저택을 떠날 수 없는 비밀이 밝혀지며, 영화는 기요시 감독의 장기인 호러 분위기로 치닫게 된다. 




인간과 공존하는 유령의 이야기를 다루었다는 점에 있어서, <은판 위의 여인>은 국내 정식 개봉은 안 되었지만, 작년 부산국제영화제, 올해 열린 마리끌레르 영화제, 무주산골영화제를 통해 국내 관객들과 만났던 <해안가로의 여행>을 떠올리게 한다. 물론 <해안가로의 여행>뿐만 아니라 상당수의 기요시의 영화에는 유령이 등장한다. 


기요시가 유독 ‘유령’에 집착하는 진짜 이유는 알 수 없다. 하지만 <해안가로의 여행>에서도 그랬듯이, 유령이 떠돌아다니는 <은판 위의 여인>은 무섭고 잔인하다는 느낌보다 신비하고도 슬픈 분위기가 앞선다. 최근 기요시 영화에 등장하는 유령들은 살아있는 인간들처럼 형체도 있고, 몸에 체온도 느껴진다. 언젠가는 그 존재가 흔적도 없이 사라지지만, 그건 숨이 붙어있는 인간들도 마찬가지다. 




전통방식을 추구하는 고집스러운 예술가의 고뇌 외에도, <은판 위의 여인>은 아버지의 작업방식을 못마땅하게 여기는 자식간의 대립이 더해지며, 흥미로운 이야기를 구축해 나간다. 그러나 기요시의 대부분 호러 영화가 그렇듯이, <은판 위의 여인> 또한 비극으로 마무리된다. 이미 예정된 수순 이었지만, 현실을 인정하지 않는 인간의 집착이 만든 환상의 끝은 아름답지만 허무하다. 내려놓음을 행할 때, 비로소 진정한 자유를 얻는다고 하나, 미련과 아쉬움이 만든 기요시의 유령이 계속 눈에 아른거리는 것도, 어쩔 수 없는 인간의 숙명인 듯하다. 국내 수입이 결정되어 곧 정식 개봉작으로 만날 수 있는, 기요시의 야심작이다. 

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Posted by 너돌양

‘태양왕’이라고 불릴 정도로 프랑스 왕조 역사상 가장 무소불위 권력을 자랑하던 ‘루이14세’도 세월 앞에서는 장사가 없었다. 제21회 부산국제영화제(BIFF)를 통해 공개된 <루이14세의 죽음>(알베르트 세라 감독) 속 루이14세(장 피에르 레오 분)는 첫 장면부터 서 있지 못하고 휠체어에 몸을 의지하고 있었다. 그래도 오프닝 때는 휠체어를 타서라도 궁 밖으로 산책을 나갈 수 있었던 루이14세는 영화가 끝날 때까지 꼼짝없이 궁 안, 엄밀히 말하면 침실에 갇혀 있는다. 




온 천하를 벌벌 떨게 했던 루이14세도 죽음 앞에서는 어쩔 수 없는 나약한 인간이었다. 알베르트 세라 감독은 루이14세의 많고 많은 일대기 중에서 죽을 날만 기다리는 노쇠한 루이14세를 선택했을까. 그리고 영화 시작부터 끝까지 누군가의 도움없이는 일어서기도, 물 한 잔도 제대로 먹을 수 없는 루이14세를 보여주었을까. 여전히 만인의 존경을 한 몸에 받고 있고, 신하들의 헌신으로 호위호식하면서 지내고 있는 루이14세라고 하나, 그의 말년은 (영화 속에서는 보여주지 않았지만) 화려했던 지난날과 대비 되어, 초라하게 느껴진다. 


혹자는 프랑수아 트뤼포의 <400번의 구타>(1959)에 출연한 이래, 누벨바그의 아이콘으로 불리는 장 피에르 레오가 죽어가는 루이14세를 연기했다는 점을 예를 들며, <루이14세의 죽음>이 영화의 죽음을 절묘하게 비유하는 영화로 평가하기도 한다. 실제, 시종일관 루이14세의 클로즈업된 얼굴을 보여주는 <루이14세의 죽음>은 움직이는 것을 카메라에 담아내, 사람들에게 보여주는 영화가 아니라 박제된 회화를 보는 것 같다. 루이14세를 낳게 하려는 신하들과 궁정 의사들의 헌신적인 치료에도 병세만 악화되는 노년의 루이14세의 얼굴과 달리, 젊고 건강한 루이14세의 청년시절을 그린 초상화가 살아있는 것처럼 생동감있게 느껴지기도 한다. 




꼼짝없이 침대에 누워 죽어가는 루이14세의 얼굴만 나오는 덕분에, 2시간 러닝타임에도 불구, 굉장히 지루하게 느껴진다. 하지만 실제 죽음을 앞두고 있었던 루이14세는 관객들이 겪었던 지루함보다 몇 억 배의 고통을 받았을 것이다. 이는 루이14세뿐만 아니라, 죽음을 앞둔 모든 이들에게 해당되는 인간의 숙명이다. 돈, 권력, 명예, 지위 모든 것을 다 갖춘 루이14세는 당연히 오래 살고 싶었고, 루이14세를 잘 모신 덕분에 높은 지위를 얻을 수 있었던 루이14세의 신하들도 그가 좀 더 오래 살기를 바랐다. 그래서, 당시로서는 최선인 의학 기술을 총동원하여, 루이14세의 생명을 연장시키고 싶었다. 


하지만 이미 죽을 날만 앞둔 루이14세에게는 아무런 소용이 없었다. 오히려 그가 받는 고통만 가속화 시킬 뿐이다. 죽어가는 순간까지, 루이14세는 그가 무언가를 먹고 있는 것만으로도 궁정 사람들의 진심어린 박수세례를 받는 대단한 인물 이었지만, 그 모습은 흡사, 동물원 우리 속 침팬지의 재롱잔치를 보고 기뻐하는 사람들의 얼굴을 떠올리게 한다. 루이14세의 수많은 일화 중에서 굳이 죽어가는 루이14세의 고통스러운 얼굴을 택한 알베르트 세라의 도전은 단호했다. 세상에 영원한 것은 없으며, 언젠가는 모두 사라져 없어질 것을. 자칫 허무주의로 빠질 수 있는 우려도 있지만, 그럼에도 <루이14세의 죽음>은 죽어가는 와중에도 살기 위해 몸부림 치던 루이14세를 보는 것만으로도 몇 마디 말로는 형연할 수 없는 감정을 북돋게 한다. 우리 모두 죽음을 앞둔 시한부 인생이지만, 그래도 주어진 시간을 어떻게든 잘 살아보려고 안간힘을 쓸 수 있는 것만으로도, 세상은 아직 살아갈 여지가 남아있는 것이 아닐까. 




디저트와 와인을 마시며, 무언가를 오랜시간 노려보는 장 피에르 레오의 얼굴만으로도, 깊은 잔상을 남기는, 단언컨대 올해 최고의 영화 중 하나로 기억될 <루이14세의 죽음>이다. 

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Posted by 너돌양


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