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<리얼>(2017, 이사랑 감독)은 관객들에게 ‘이해’를 구하고자 만든 영화가 아니다. 애초 이 영화의 시작은 컬트(탈주류 영화) 였는지모른다. 실제 <리얼>에는 컬트 영화가 되고자 했던 흔적들이 종종 있다. 하지만 이 영화를 두고 ‘컬트 영화’라고 할 수 있을까. 결과물을 놓고 봐서는 쉽게 장담할 수 없을 것 같다. 




난해한 것 같지만, 끝까지 보다보면 <리얼>이 하고자 하는 이야기는 단순하다. 정신분열(혹은 환각증상)을 다루는 방식이 너무나도 얄팍해서 헛웃음이 나올 정도다. 놀랍게도 <리얼>은 시작부터 주인공 장태영(김수현 분)이 정신분열증을 앓고 있다는 단서를 던진다. 영화 후반부에 장태영이 단순한 조현병 환자가 아니라는 일종의 반전이 등장하긴 하지만, 어찌되었던 장태영은 둘로 나눠져 있고, 서로를 인정할 수 없는 장태영의 두 자아는 시종일관 서로를 괴롭히고 위협한다. 


주인공의 자아 분열을 다루는 과정에서 누가 진짜이고 가짜인지 끊임없이 혼란을 주려고 하는 것은 같은데, 두 자아의 구분법은 의외로 쉽다. 두 명의 장태영을 맡은 김수현이 내고 있는 인위적인 목소리만 들어도 누가 누구인지 알 것 같다. 그런데 정작 누가 장태영의 진짜 자아이고, 가짜 자아인지는 딱히 알고 싶지 않다. “내가 진짜고 너는 가짜”라고 목소리를 높이는 영화 속 장태영들의 싸움이 무의미하게 다가올 정도다. 


한류스타 김수현 덕분에 중국 영화 투자 배급사 알리바바 픽쳐스로부터 거액의 금액을 투자 받은 <리얼>은 엄청난 물량공세가 빚어낸 화끈한 볼거리를 자랑한다. 하나씩 떼어보면 제법 근사해보이는 그림도 몇몇 있긴 하는데, 문제는 그게 전부다. 공들어서 촬영한 것은 분명하지만, 결코 미쟝센이라고는 부를 수 없는 무의미한 장면들이 계속 이어짐에 따라 관객들이 느끼는 피로는 극으로 치닫는다. 


겉만 번지르르한것과는 달리, 영화 자체가 속 빈 강정이다보니 평소 연기 잘하기로 소문난 배우들도 영화와 어울리지 못하고 둥둥 떠다닌다. 총체적 난국 속에서도 새삼 진지한 성동일의 명품 연기가 진심 아까울 정도다. 이성민 같은 경우에는 매력적인 빌런이 될 수 있는 여지가 많은 캐릭터임에도 불구, 애초 캐릭터 설정 포함 영화가 이상하다보니 그의 연기 또한 큰 설득력을 주지 못한다. 


아마, 김수현 포함 이성민, 성동일, 이경영, 조우진, 최진리(설리)는 이런 영화 인줄 모르고 출연에 응했을 것이고 실제로 그들은 최선을 다했다. 하지만 뭐니뭐니해도 이 영화에서 가장 큰 타격은 주인공 김수현이다. 영화에서 그는 시종일관 멋있는 포즈를 취하고 혼자서도 수많은 적들을 손쉽게 제압한다. 하지만 김수현의 멋진 열연에도 불구하고, 시작부터 종잡을 수 없었던 <리얼>의 장르는 어느새 코미디로 치닫고 있었다. 




몸과 마음을 즐겁게 하는 코미디라면 다른 사람들에게도 보라고 흔쾌히 권하겠지만, 나를 끝으로 더 이상 사람들이 이 영화를 보고 나처럼 힘들어하지 않았으면 하는 바람. 나처럼 몹쓸 호기심을 안고 이 영화가 어느 정도로 바닥을 뚫고 가는지 확인하고 싶다면 말리지는 않겠다. 하지만 정신 건강을 위해서 차라리 <박열>, <옥자>를 2번 봤으면 하는 바람이다. 괴작이 보고 싶다면, 차라리 <노후 대책 없다>를 보시길. 그래도 <노후 대책 없다>는 새로운 영화를 만들겠다는 도전 정신도 있고 심지어 보고 듣는 재미까지 있다. 그런데 새로운 영화를 보여주고 싶었다던 <리얼>에는 전혀 새로운 게 없다. 할리우드 영화 등 어디서 본 것 같은 조약한 ‘짝퉁’만 넘쳐난다. 그러면서 계속 ‘진짜, 진짜’를 외친다. 이 영화를 어떻게 봐야할까 도무지 감조차 잡히지 않는다. 그나마 다행인 것은 <리얼>을 보자마자 <박열>을 보았다는 것. 그리고 지금까지 난 무슨 말을 하고 있었던 것일까. 이 영화에 대해서 뭐라고 하는 것도 괴롭고, 진짜 괜히 봤다. 

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임대형 감독의 <메리 크리스마스 미스터 모>는 찰리 채플린이 남긴 명언 "인생은 가까이서 보면 비극이지만, 멀리서 보면 희극이다."라는 기제를 충실히 따르는 가족 영화다. 금산에서 조그마한 이발소를 운영하는 모금산(기주봉 분)의 반복된 일상은 지극히 단조롭다. 손님들 머리를 다듬는 행위를 제외하곤 사람들과 딱히 어울리지 않는 모금산은 그와 가까이 지내고 싶어하는 사람들이 몇 명 있음에도 불구하고, 스스로 외로움과 적막감을 자처한다. 




그렇게 외톨이를 자처하며 별일 없이 살아가는 듯 했던 모금산에게 중대한 사건이 생겼다. 보건소 의사는 모금산이 위암에 걸린 것 같다고 했다. 서울에 있는 큰 병원을 가서 정밀 진단을 받아봐야겠지만, 모금산의 위암은 기정사실 된 것 같다. 이런 엄청난 사건이 일어났으니, 단단하고 견고해보였던 모금산의 지루한 일상에 균열이 생기기 시작한다. 그동안 봐도 데면데면 하던 사람들에게 말을 붙이고, (마치 찰리 채플린을 보는 듯한) 종종 우스꽝스러운 행동을 보여 준다. 그러더니, 서울에서 영화를 만든다는 아들 모 스데반(오정환 분)과 아들의 여자친구 예원(고원희 분)을 불려들어 자신이 주인공으로 출연하는 흑백 무성영화를 만들 것을 요구한다. 


그동안 아버지와 별 왕래가 없었던 아들은 아버지가 젊은 시절 배우를 꿈꾸었다는 것은 익히 알고는 있었지만, 갑자기 돌출 행동을 일삼는 아버지가 영 꺼림칙하다. 어색한 부자 사이에서 중심을 잡고 영화 촬영을 이끌어가는 이는 스데반의 여자친구 예원이다. 어딘가 나사 하나 풀린 것 같이 못미더운 스데반과 달리, 예원은 굉장히 똑똑하고 당차며, 자신을 둘러싼 문제를 적극적으로 해결할 수 있는 진취적인 캐릭터이다. 15년 전 엄마를 여의고, 모성애의 부재 속에 살아가던 스데반에게 예원은 자꾸만 기대고 싶은 엄마같은 존재 이면서도, 아내가 죽은 이후 세상과 단절된 외톨이로 살아가던 모금산의 말못할 속사정을 헤아리는 속깊은 큰 딸 역할까지 해낸다. 


틈나는대로 큰아주버니 금산에게 반찬을 갖다주는 금산의 올케의 말을 빌러, <메리 크리스마스 미스터 모>는 모씨 부자를 두고 누군가(여자)의 도움이 없으면 밥도 제대로 챙겨먹지 못하는 결핍된 존재로 그려내고자 한다. 아내(엄마)의 죽음 이후 부자의 관계는 심각하게 단절되어 있고, 서로에 대한 관심이 아예 없지는 않지만 자꾸만 어긋나게 되는 아버지와 아들은 전혀 예상하지 못했던 의외의 사건을 맞닥뜨리면서 폭발하게 된다. 


그런데 이 '의외의 사건'이 오랫동안 관계가 단절된 아버지와 아들의 관계 회복을 위해 꼭 필요한 '극적 장치' 였는지 궁금하다. 드라마에서 흔히 보는 소재이긴 하나, 이 구태의연한 이야기를 꼭 독립 영화에서도 봐야 하는지. 꼭 그 '의외의 사건'으로 가뜩이나 살얼음을 걷는 것 같은 아버지와 아들의 갈등을 극대화시킬 필요가 꼭 있었을까. 


장면을 구성하고 컷을 나누는데 있어서 종종 아쉬움을 보여 주긴 한다. 하지만 <메리 크리스마스 미스터 모>는 몇몇 사려깊은 장면과 이미지만으로도 사람들의 뇌리 속에 따뜻하게 기억되는 인상적인 영화다. <메리 크리스마스 미스터 모>에서 가장 기억에 남는 두 장면을 꼽으라면, 모금산이 아들 스데반의 어린 시절 영상을 멍하니 보고 있다가 갑자기 사례 들린 씬, 요즘 에세이 영화에서 자주 보이는 시네마베리테 기법(등장인물의 대화, 인터뷰 등 녹음한 뒤 그에 맞는 시각적 소재를 촬영 편집)을 활용한 모금산의 내레이션 시퀀스이다. 이 두 장면 만으로도, <메리 크리스마스 미스터 모>는 감독 자신만의 영화 언어를 통해 관객에게 깊은 울림을 선사한다. 찰리 채플린의 단편들을 모아서 보는 것 같은, 극중 모금산의 단편 영화는 그것만 떼어 놓고 봐도 좋겠다 싶을 정도로 매력적이다. 무조건 아버지와 아들의 화해를 강요하지 않는 태도도 좋다. 적어도 <메리 크리스마스 미스터 모>는 쉽게 해결되지 않는 문제들을 섣불리 봉합 하려 들지 않는다. 그런 화자(감독)의 태도가 다소 무책임하게 보여질 수는 있겠지만, 그건 고작 100분 남짓한 영화 안에서 쉽게 해결될 수 있는 상황이 아니다. 


12월 개봉을 앞두고 있어서, 이 영화에 대해서 더 이상 많은 말을 할 수는 없겠다. 끌리는 장면도 많은 반면, 아쉽게 다가오는 부분도 없지 않아 있지만 그래도 많은 관객들이 <메리 크리스마스 미스터 모>를 보고 잠시나마 행복해졌으면 하는 바람이다. 영화 속 아버지 모금산을 보고 집에 계신 부모님께 잘해야지 생각만 들어도 이 영화는 제 역할을 다 했다고 생각한다. 그래서 이 영화가 참 좋다. 그 '의외의 사건' 빼고 말이다. 

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오스카 페룰쇼노(가엘 가르시아 베르날 분)는 칠레의 국민 시인이자 정치인 파블로 네루다(루이스 그네코 분)의 뒤를 쫓는 경찰이다. 오스카는 네루다를 잡기 위해 혈안이 되어있고, 계속 네루다의 뒤를 쫓는다. 그런데 관객들의 눈에 비춰지는 오스카는 경찰이 아니라, 네루다를 너무 흠모한 나머지, 그의 일거수일투족을 따라다니는 한 명의 열성팬을 보는 것 같다. 




지난 1월 국내 개봉한 <재키>(2016)의 감독 파블로 라라인이 <재키>에 이어 완성한 영화 <네루다>(2016)은 여러모로 특이하게 다가오는 영화이다. 1971년 노벨문학상을 수상한 파블로 네루다를 다룬 전기 영화인데, 네루다를 쫓는 경찰의 관점에서 네루다를 바라보고 평가한다. 제3자의 시선에서 한 인물을 바라보는 영화가 <네루다> 한 편만 있었던 것은 아니다. 그런데 네루다를 자의적으로 해석하고 평가를 내리는 오스카의 자아도취성 보이스 오버는 쫓고 쫓기는 추격전과 어울리지 않게 감성적 이면서도 시적이다. 


네루다를 바라보는 오스카의 시선은 복잡 미묘하다. 오스카는 네루다를 경멸한다. 오스카에 따르면 네루다는 공산당 거물이라는 타이틀에 맞지 않게 굉장히 속물적이고 부르주아적인 속성을 지니고 있다. 아내 델리아(메르세데스 모란 분)를 사랑하지만, 틈나는대로 매음굴에서 시간을 보내기 일수다. 심지어 경찰에 쫓기는 와중에도 여러 술집을 전전한다. 위선적인 면모가 다분한 네루다를 두고 오스카는 반드시 자신의 손으로 잡아서 처단해야할 범죄자로 명명한다. 




그러면서도 오스카는 네루다의 시를 즐겨 읽는다. 엄밀히 말하면 네루다가 늘 간발의 차로 자신을 놓치는 불쌍한 경찰 오스카를 위해 남긴 책 속의 시들을 즐겨 읽는다. 어쩌면 네루다가 오스카를 위해 쓰였을 시, 소설들을 읽어가며 오스카는 네루다를 더 잡고 싶은 환상 속에 빠지게 된다. 단지, 네루다를 잡아 들여야하는 임무 수행 차원이 아니라 자신이 경외하는 대상을 자신의 발 밑으로 기어 들어가게 하고싶은 욕망. 그렇게 오스카는 네루다와 자기 자신을 동일시하는 꿈을 꾸기 시작한다. 


영화의 배경이 되는 1948년 칠레는 혼돈의 시기 였다. 국민들을 자신들의 사리사욕을 채워주는 통제의 수단으로만 바라보는 위정자들은 칠레 곳곳에서 일어나는 민중 봉기를 폭력적인 방식으로 진압하고 있고, 대통령의 통치 방식에 반기를 든 네루다는 그를 잡고자 안달이 난 칠레 정부에 쫓기는 도망자의 신세로 전락한다. 대통령을 위시한 칠레의 귀족들은 도망자 네루다에게 ‘공산당 반역자’라는 프레임을 씌우며 네루다가 가진 명예와 인기를 끌어내기 위해 온갖 전락을 강구하지만 그럴수록 네루다를 향한 칠레 민중들의 사랑과 존경은 더욱 굳건해 진다. 




대통령으로부터 네루다를 잡아 오라는 명령을 받은 오스카는 네루다를 체포하는 행위를 완성함으로써 위대한 경찰로서 자신의 정체성을 확립하고자 한다. 성매매에 종사하는 어머니 뱃속에서 태어나 아버지가 누군지 모르고 살아왔던 오스카는 칠레의 전설적인 경찰을 자신의 아버지로 떠받든다. (마침 오스카와 그의 성도 페룰쇼노로 같다.) 네루다는 지극히 속물적이고 위선적인 인간이고 오스카 자신은 그의 상상 속 아버지처럼 공명정대한 위인으로 스스로를 자화자찬 한다. 그러나 네루다와 네루다의 시에 감화될 수록 오스카는 자신 또한 속물적이고 칠레의 고귀한 귀족들에게 천대받는 하찮은 존재라는 사실을 서서히 인지하게 된다. 보통 민중들에게 한없이 가혹한 현실을 위로해주는 것은 네루다의 시이다. 네루다 또한 여느 위정자들과 다를 바 없이 속물적이고 영웅 놀이에 빠져있는 위선적인 존재라고 할지라도, 적어도 그는 칠레 민중들을 생각했고 민중들의 시선에서 여러 편의 시를 써내려 간다. 


오스카의 시선에서 바라본 네루다는 도덕적으로 완벽한 인물은 아니다. 아집과 독선, 부르주아 근성으로 똘똘 뭉친 네루다는 보통 사람들과 마찬가지로 흠많고 실수하는 평범한 인간 중 하나다. 그럼에도 민중을 사랑했고 그 나름대로 민중들의 편에 서기 위해 최선을 다했던 네루다는 어두운 현실에서도 반짝반짝 빛나는 보석같은 존재다. 언제나 역사의 중심에 서있었던 네루다는 자신의 시와 소설을 통해 한낱 하찮은 존재로만 취급받았던 민중(오스카)들에게 생명을 불어넣고 그 자신처럼 빛나는 존재의 반열에 올려놓는다. 




시적 감각을 활용한 독창적인 서사 문법으로 주목받은 영화 <네루다>가 더욱 아름답고 매혹적으로 다가오는 것은 네루다를 사랑하면서도 경멸하는 오스카의 시점으로 네루다와 민중들을 하나로 만든 파블로 라라인의 탁월한 관점에 있다. <재키>에 이어 <네루다>까지 실존 인물을 스크린으로 다시 호명하는데 있어서 자신만의 탁월한 경지에 오른 파블로 라라인은 그렇게 시대를 대표하는 거장이 되어 있었다. 

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